Mattia Anderlini torna presso la Galleria Annovi di Sassuolo dopo un percorso di esposizioni collettive, per presentare la sua prima mostra personale. Ingegnere civile di formazione, Anderlini approccia le tele con precisone geometrica e le tende con una ritualità meticolosa, ma è nella forza della materia, nelle spatolate decise e nelle pennellate vigorose, che esplode il suo linguaggio. Avvicinatosi alla pittura come autodidatta, inizia sperimentando con i colori acrilici prima di approdare all’uso dell’olio e alla sua tecnica fortemente materica, che gli permette di realizzare ritratti femminili carichi di potenza e intimità. AURA è un viaggio nell’essenza femminile, dove ogni ritratto emerge dalla tela come presenza viva e carica di magnetismo.

Lo spazio della Galleria Annovi accoglie il percorso artistico negli anni: dalle opere del 2009 ai lavori più recenti, Anderlini muta, come le sue figure. Lo vediamo dai primi ritratti, definiti ma distanti, fino alle ultime tele, dove la figura si dissolve in uno stato di potenzialità, come sospesa tra luce e ombra. Nei primi lavori, le figure non hanno una precisa direzione dello sguardo né un’intenzione esplicita di incontrare l’osservatore; nei lavori più recenti, invece, Anderlini porta la figura umana verso una semplificazione e un’astrazione maggiore, mentre l’intenzionalità dello sguardo sembra divenire più istintiva e primordiale, come se le figure uscissero dallo sfondo per affacciarsi in superficie. 

Lo sfondo oscuro trattiene e restituisce dettagli in una danza di ombre e di contorni sfumati, creando una vitalità pulsante e mai del tutto afferrabile. Con i colori scuri lottano quelli dai toni più caldi (prediletti da Anderlini), dal rosso vibrante che richiama il sangue e l’erotismo, ai colori della terra fino alle varie sfumature della pelle al sole. Capelli, occhi e sagome si confondono nello sfondo creando un effetto in cui i soggetti sembrano esitare ad emergere del tutto, lasciando trasparire l’impulso primario dell’artista ancorato nel colore dello sfondo stesso. Così le figure appaiono enigmatiche, in lotta con il desiderio di rivelarsi, rimanendo in uno stato di velata bellezza.

In questa tensione misteriosa le opere non hanno nomi o titoli: l’artista non vuole orientare le percezioni, ma lasciare spazio alla soggettività in ogni opera, che è presenza ed emozione, che è pura aura.

Questi ritratti emanano una vitalità intensa, un’energia che non si manifesta in modo univoco, ma che si svela a ciascuno come un’aura che sfida lo sguardo. AURA invita il pubblico a scoprire la forza dell’incontro con una bellezza sfuggente, nascosta e poi esplosiva.

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​Il “labirinto” visivo che con la mostra di marzo Sergio Annovi propone nel suo storico spazio di Sassuolo permette di rivolgere la propria attenzione alla storia dell’arte del Novecento fino ai tempi odierni, tra “mostri sacri” e nuove promesse. Ne esce, così, un universo di perle brillanti nel cielo della pittura, appunto un labirinto dove perdersi e ritrovarsi. In questo ampio giro d’orizzonte il visitatore può metaforicamente andare avanti e indietro nel tempo dell’arte, riflettendo su soggetti, tecniche, idee, figurazioni le più disparate. Uscendo dal percorso espositivo differente. Vale allora la pena “perdersi” in questo labirinto di forme e colori nel quale il siracusano Fulvio Di Piazza ormai da anni si dedica attraverso la sua figurazione quasi barocca che vede una natura antropomorfamentre il palermitano  Andrea Di Marco(1970-2012) focalizza l’attenzione su scorci dicittà e ambientazioni urbane e il milanese Federico Vescovo gioca sul crinale tra astrazione e figurazione, inserendo nel quadro composizione quasi “precarie”. I lavori di Mattia Anderlini, Oscar Baccilieri, Ersilia Sarecchia, già presenti nella recente rassegna sassolese “Genius Loci”, offrono uno sguardo materico evidenziato in varie forme mentre davanti al reale Mauro Pifferi si pone attraverso un gesto informale. Il formiginese Massimo Pedrazzi, attraverso le sue velature di colore, indaga la figura umana; anche Damian Giacov, di Belgrado, scomparso nel ’22, “gioca” con la figurazione creando sulla tela accattivanti apostoli e cherubini. Corrado Zeni, genovese, propende invece per una ricerca incentrata su sfumature ed emozioni che intessono le nostre relazioni quotidiane; Massimo Messori (Memme) utilizza olio,acrilico, sabbie e garze di juta per opere che intercettano il reale mentre Daniela Montanari di Forlì si offre al quotidiano attraverso una pittura intrisa di sogno e fantasia. Se Alberto Castellidisciplinatamente attiene alla memoria attraverso la sua pittura, la piacentina Sonia Agosti vede nella sintassi del gesto artistico la soluzione per giungere all’essere mentre il bolognese Luigi Mastrangelo chiama in causa l’autoritratto – spesso edonista nelle forme e surreale nella colorazione – per la sua riflessione estetica simbolista. Mimmo Iacopino tramuta il quotidiano con sperimentazioni tecniche e originalità creativa, tanto quanto il piemontese Giulio Zanetpropone ironiche geometrie astratte e la modenese Elena Ascari riflette sull’invisibile in particolare attraverso i mezzi tecnologici. Il napoletano Antonio Raucci si occupa di dar forma al quotidiano attraverso strutture formali legate alla pratica dell’assemblaggio e Antonio Delle Rose offre con la sua pittura figure e spazialità immerse nel silenzio dell’anima. Dicevamo dei mostri sacri convocati da Annovi, tra cui Luciano De Vita (Ancona, 1929-92), già allievo di Giorgio Morandi, noto per la grandiosa opera incisoria. I lavori del reggiano Sergio Terzi (Nerone, 1939-2021) sono intrisi naturalmente sia di Ligabue sia del mondo fantastico intorno al Grande Fiume Po mentre Corrado Bonomi si lascia ammirare per il carattere ludico e citazionista della sua pittura. Fino, in conclusione alla presenza di due delle principali figure artisti che ‘900: Pompeo Borra (Milano, 1898-1973), tra i fondatori del movimento Novecento, dalla eloquente figurazione “monumentale” e Piero D’Orazio (Roma, 1927-2005), astrattista rivoluzionario, autore di opere geometriche e colorate che definiscono la sua cifra stilistica.  

Di Stefano Luppi

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Galleria Annovi è lieta di annunciare l’inaugurazione di “GENIUS LOCI”, sabato 24 settembre alle ore 18.30, la mostra composta da quattro artisti: Mattia Anderlini, Oscar Baccilieri, Michele Omiccioli e Ersilia Sarrecchia.

GENIUS LOCI

^{testo a cura di Rosa Cascone}

L’impegno di una mostra non è cosa da poco. Il solo trovarsi di fronte a un’opera pone infatti criticità immediate: Cosa mi smuove? Cosa vedo? Cosa imparo? 

A seconda del luogo e della società in cui l’opera viene esposta, le reazioni del fruitore sono spesso differenti, identificando non tanto l’opera in sé, ma piuttosto il carattere di appartenenza di chi la guarda. L’insieme dei legami e delle qualità localizzate personificano il genius loci, ovvero lo spirito della città, un’entità soprannaturale legata al luogo. La città infatti deve avere arte per dare immagine alla sua natura, deve avere un’idea di sé per alimentare e manifestarsi e gli artisti sono coloro che, quasi inconsciamente, esprimono questa necessità che non si riflette solo nell’identità del loro genius loci, ma alimentano questa stessa consapevolezza proprio nel fruitore. Vedere e vivere l’arte è come vedere uno spaccato della terra e della società da cui si proviene.

Le opere di Mattia Anderlini, Oscar Baccilieri, Michele Omiccioli e Ersilia Sarrecchia sono uno sguardo alla terra generosa e materica, una terra di rispetto e opulenta condivisione. Gli artisti invitati a esporre indossano la veste dei sacerdoti e dei maghi che con il loro fare arte dànno sfogo all’intimità del genio.

Mattia Anderlini, ed esempio, ritrova l’espressione nei ritratti femminili: volti di donne, simbolo di fertilità e bellezza, si affacciano dalla tela osservando dall’alto il fruitore senza giudizio, anzi con una sorta di curiosità che aleggia dall’opera verso il fuori. Inoltre i colori a olio si presentano come un composto materico, una pittura sostanziale fatta di spatolate da cui queste donne manifestano, nelle varie sfumature, una forte essenza. 

Oscar Baccilieri invece, utilizza una tecnica del tutto personale: riprendendo materiali diversi spesso legati alla natura, realizza opere di pittura scultorea in cui la tridimensionalità esplode sulla tela.

I paesaggi naturali raffigurati sono quelli della terra d’origine, reinterpretati. La serie di collage esposti sono formati da frammenti di carta vetrata dipinta e poi ritagliata con cui Oscar crea; quando è dorata, sembrano monete che immergono i soggetti in uno spazio – tempo non identificato, come mosaici bizantini.

Michele Omiccioli, unico proveniente da Fano, presenta qui un vocabolario di segni. Le sue opere sono mondi intricati e pieni, bocche lingue occhi urla che esplodono e investono il fruitore. L’accento drammatico della bulimia dei segni rispecchia la distorsione della realtà che l’artista percepisce e che esprime mosso da una necessità remota e innata. Insieme alla pittura Michele si esprime anche con le parole con cui descrive il disagio contemporaneo “Il bello è stato colorato, additivato, irriconosciuto. Piuttosto la userò come un piccolo specchio sul rifiuto del presente. Proverò a tracciare debolmente le linee di un sublime equivoco e pazzo, ad attizzare un’estasi negativa che le ultime generazioni abitano fin troppo bene”.

Ersilia Sarrecchia infine, insegue con la sua pratica sentimenti di gioia e di vita, un movimento continuo di energia che si esprime negli animali e nella femminilità. La sua è una pittura istintiva in cui il gesto pittorico caratterizzato da forti colori è una danza vitale, segni sulla tela e parole spesso non dette, che si susseguono in un eterno ritorno di emozioni e scosse. 

Attraverso i quattro linguaggi e le emozioni da cui le opere nascono, gli artisti ci narrano una terra forte, decisa e materica in cui i colori e gesti ne determinano le forme e le loro emozioni si fanno portavoce di un sentore collettivo in cui si possono comprendere aspetti inizialmente estranei, ma che con la rivelazione del Genio si fanno realtà condivisa.

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L’inaugurazione avverrà il 21 maggio 2022 ore 18 presso la sede di Sassuolo, in Via Radici in Piano 127

Bouba & Kiki. *

Ovvero la rivoluzione del colore secondo Giulio Zanet .

Quale di queste forme è bouba e quale è kiki? È questa la domanda che anticipa l’ingresso alla mostra Big Paintings di Giulio Zanet. Una volta varcata la soglia poi, verrete investiti da un’esplosione di colori. 

La galleria sassolese di Sergio Annovi per i prossimi mesi ospiterà, insieme ai dipinti di Zanet, l’allestimento della nuova collezione VITAMINICA di Vetriceramici, azienda specializzata nella ricerca innovativa e nella produzione di prodotti in ceramica, che si è spinta fuori dal consueto spazio dello show room e invita i suoi ospiti nella sede della storica galleria. Le nuove cromie della collezione dialogano completamente con le opere dell’artista, per cui l’insieme di forme e colori creano un mondo energico, frizzante – vitaminico appunto – che rende la visita in galleria e la fruizione delle opere di Zanet un’esperienza alimentata da diversi stimoli. In tutto lo spazio la figura è completamente assente, mentre il colore è il protagonista assoluto.

Nei grandi dipinti esposti, infatti, l’astrazione pittorica raggiunge la massima espressione immergendo il fruitore tra gli strati di materia e colore.

Ma chi sono allora bouba e kiki? Sono parole che richiamano le forme, sono suoni senza significato che nella nostra immaginazione collettiva corrispondono rispettivamente a una figura più sinuosa e morbida o a una più spezzata e spigolosa. Questa corrispondenza tra forme e suoni, colori e immagini si racchiude nella figura della sinestesia, che è la sensazione estetica piena. Come quella che si percepisce visitando la mostra. 

Le opere di Zanet infatti, nella loro grandezza e semplicità, ci offrono una concezione spaziale che apre e chiude contemporaneamente lo sguardo dello spettatore: gli sfondi materici e compatti dello sfondo si accostano a geometrie astratte ironiche, tondeggianti o spigolose, che con un gesto sdrammatizzante diventano parte dell’opera. In queste opere non c’è quindi una narrazione, un significato nascosto dell’artista, se non la sensazione completa che si prova nel guardarle. 

L’immediata riconoscibilità del colore, delle forme o di buoba e kiki, sono la prova che quella di Zanet è un’arte pura, fine a stessa e in perfetto equilibrio estetico.

La stessa azione pittorica dell’artista avviene in piena libertà. Infatti Zanet, quando dipinge, si approccia al supporto nel modo più aperto possibile, soprattutto perché non sempre esso è di tela, ma anche di PVC, di tessuti recuperati o di carta. In questo modo, la diversità della superficie porta l’artista ad avere sempre una curiosità vergine ad un primo approccio, per poi divertirsi e scoprirsi nella composizione pittorica. Il suo lavoro è un lento rituale di processi che si susseguono e si addizionano sulla superficie materica.

A questa azione gestuale se ne accompagna poi un’altra molto ponderata e riflessiva: ogni gesto è la ricerca di un equilibro di forme e colori che, come una meditazione, mette in azione un grande lavoro di svuotamento, sia per l’artista che lo compie che per chi si trova ad osservare l’opera.

Giulio Zanet, con le sue opere, riporta quella rivoluzione del colore, pura e di ricerca sincera, come quella esplosa negli anni ’80 proprio dal collettivo Memphis a cui tutto l’ambiente circostante s’ispira. 

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Galleria Annovi è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra fotografica “Shooting in Sarajevo” di Luigi Ottani in occasione del Festival della Filosofia a tema Libertà.

L’inaugurazione avverrà il 17 settembre 2021 ore 18 presso la prestigiosa sala civica Paggeria Arte, di fronte al Palazzo Ducale di Sassuolo (Mo) in Piazzale della Rosa e proseguirà per giorni successivi del festival fino al 19 settembre. Inoltre, sarà possibile visitare, in contemporanea e per il periodo successivo alle date del Festival della Filosofia anche l’esposizione presso la Galleria d’Arte “Annovi”, in via Radici in Piano 127.

La mostra

“Shooting in Sarajevo”

Il progetto ha inizio nella primavera del 2015, quando Luigi Ottani e la curatrice Roberta Biagiarelli si recano a Sarajevo. Il loro obiettivo era quello di ritrarre la città 25 anni dopo la fine della guerra, fotografando gli stessi luoghi da cui i cecchini tenevano sotto assedio la città e i suoi abitanti.

Le parole di Luigi Ottani tratte dal libro omonimo pubblicato nel 2020 (Bottega Errante Edizioni): “incuriosito dal doppio significato del termine inglese “shooting”. Fotografare e sparare non proprio la stessa cosa.[…] Si inquadra nello stesso modo, si trattiene il respiro nello stesso modo, si preme il grilletto, praticamente nello stesso modo. Ci si rilassa dopo un click, ma non mi dato sapere quale sia la reazione del corpo, del respiro, dell’anima dopo aver premuto il grilletto e ucciso. Questo mi sconvolgeva. Mi trovavo negli stessi luoghi, negli appartamenti, sui terrazzi dove i cecchini avevano “lavorato” durante l’assedio degli anni Novanta.”

Gli appartamenti di Grbavica, l’Holiday Inn, la caserma Maresciallo Tito, le postazioni di montagna sono divenuti il punto di vista ideale per perdersi nella mente di chi, da quegli stessi luoghi, inquadrava per uccidere. Nel progetto gli autori si sono avvalsi dell’amichevole complicità di due sarajevesi speciali: Azra Nuhefendić e Jovan Divjak, oltre che del giornalista-scrittore Gigi Riva, cit- tadino onorario di Sarajevo, dello storico Carlo Saletti e del fotoreporter Mario Boccia. Da una finestra del quinto piano dell’hotel Holiday Inn il 6 aprile 1992 sono stati sparati i primi colpi sui civili. Da quella stessa finestra il generale Divjak ha fotografato una donna con un cappotto rosso, regalandoci così uno scatto per questo progetto condiviso.

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Da Sabato 1° giugno (inaugurazione h18:00) al 23 giugno 2019 si terrà nella prestigiosa sala civica Paggeria Arte, di fronte al Palazzo Ducale di Sassuolo (Mo) in Piazzale della Rosa, la mostra commemorativa del pittore Lucio Sorrentino, scomparso venticinque anni fa, artista molto caro ad un’intera generazione di suoi concittadini sassolesi, e non soltanto a loro.

Sarà possibile visitare, in parallelo e per un periodo più lungo (probabilmente sino a tutto il mese di luglio), anche l’esposizione dello stesso artista presso la Galleria d’Arte “Annovi”, in via Radici in Piano 127.

Le due mostre offriranno nel loro insieme, secondo l’idea del gallerista Sergio Annovi, amico sincero dell’artista scomparso, un ampio excursus dell’opera di Sorrentino, delle molteplici tematiche e delle svariate tecniche pittoriche che volle e seppe affrontare nella sua lunga dedizione alla creazione pittorica e figurativa.

Con il fondamentale apporto critico e ricostruttivo del curatore della mostra, lo storico dell’arte Luca Silingardi, e con la collaborazione dei due figli dell’artista, questo evento si propone di rileggere l’opera di Sorrentino per fornire un bilancio complessivo del suo talento e della sua personalità nella ricorrenza del venticinquennale della sua scomparsa, ponendolo nella giusta prospettiva che lo inserisce tra importanti maestri attivi in Emilia tra gli anni Sessanta e la fine del secolo scorso.

(Tullio Sorrentino)

F I N I S S A G E 

Venerdì 21 giugno ore 21:00

Galleria Annovi

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Si inaugura sabato 14 aprile alle ore 18.00 presso la galleria Annovi di Sassuolo (Mo) la mostra collettiva “Visioni”, a cura di Francesca Baboni che presenta una panoramica delle nuove tendenze dell’arte contemporanea.

I quattordici artisti presenti – ABVA, Sonia Agosti, Maria Carolina Arletti, Alessandro Bazan, Paul Beel, Maurizio Cannavacciuolo, Antonio Delle Rose, Fulvio di Piazza, Franco Guerzoni, Mimmo Iacopino, Giulia Maglionico, Nicola Nannini, Federica Rossi, Nicola Verlato – sono difatti sia emergenti che già riconosciuti sul piano nazionale e internazionale.

Il progetto, che unisce differenti generazioni, intende mostrare visioni innovative e già consolidate e la modalità di rappresentazioni di diversi soggetti, dal mondo umano a quello animale o naturale, passando attraverso la pittura figurativa ipperrealista o gestuale, un astrattismo informale, decoratico o geometrico, fino ad arrivare alla street art.

L’esposizione, realizzata in collaborazione con la galleria Bonelli di Milano, ha il supporto e la sponsorizzazione di alcune attività commerciali di Sassuolo: Franzelli, Bottega Yooop, Rizzi parrucchieri e Jimbar.

In data 26 maggio 2018 si terrà inoltre il Finissage della mostra in questione, che vedrà protagoniste le realizzazioni dal vivo di alcune opere da parte di Nicola Nannini, Sonia Agosti e Federica Rossi.

Opere in mostra:

Nannini, 180×100 cm, olio su tela

Di Piazza, 150×190, oli su tela

Agosti, 150×150 cm, tecnica mista

Di Piazza, 125×90 cm, olio su tela

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Di Piazza, 150×190, olio su tela

Maglionico, 83×130 cm, acrilico su tela

Nannini, 180×100 cm, olio su tela

Giusti, 100×100 cm, olio su tela

Giusti, 100×100 cm, olio su tela

Agosti, 150×150 cm, tecnica mista

Beel, 180×180 cm, olio su tela

Delle Rose, 150×160 cm, olio su tela

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Di Piazza, 100×80 cm, olio su tela

Verlato, 149,86 x 243,84 cm, olio su tela

Federica Rossi, 120×140 cm, tecnica mista

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Maglionico, 83×130 cm, acrilico su tela

Delle Rose, 150×160 cm, olio su tela

Bazan, 110×170 cm, olio su tela

Mimmo Iacopino, 200×100 cm, tecnica mista

“Madeira”, Carolina Arletti, 150×150 cm, tecnica mista

Cannavacciuolo, 100×100 cm, olio su tela

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Robusti, Il trionfo dei gobbi, 100×120, olio su tela

Medusa fiore, 100×100, tecnica mista su tela, 2016

Meduse funghetto, 100 x 100, tecnica mista su tela, 2016

Senza titolo, Franco Guerzoni, 250×200, tecnica mista (olio e gesso)

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Galleria Annovi

Video di Gianfranco Notari

info@galleriannovi.com

L'articolo Mostra collettiva VISIONI (14 Aprile/26 maggio 2018) sembra essere il primo su Galleria Annovi.

Galleria Annovi è lieta di annunciare la sua prossima mostra, la cui inaugurazione avrà luogo Sabato 7 ottobre alle ore 18:00, in via Radici in Piano 127 a Sassuolo (MO).
Abbiamo deciso di collaborare con ABVA, un artista molto giovane, con esperienze internazionali.

Dalla street art alla galleria d’arte, dallo spazio pubblico a quello privato: Andrea Bellei, in arte ABVA, passa dai graffiti sulle facciate di case, di fabbriche abbandonate, in periferia a Sassuolo ed altre località limitrofe, ad interventi sulle pareti interne della Galleria di Sergio Annovi a Sassuolo, in via Radici in Piano 127. Si allarga, durante l’attività del giovane artista, iniziata poco più di sei anni fa (ora Andrea ne ha circa 22: esperienze in Honduras e Buenos Aires, ed è prossimo alla laurea in business and economics all’Università di Bologna) il ventaglio dei linguaggi e delle tecniche che trovano nuove forme creative e di comunicazione. I graffiti del passato esaltavano, nell’impiego di bombolette spray, il senso della scrittura (frasi, parole, lettere dell’alfabeto), come motivo di protesta, con richiami al rispetto dell’ambiente, alla pace… Ora le strategie operative e conoscitive si aprono, come indicano i murales all’interno della galleria, ad un nomadismo pittorico che abbraccia elementi figurativi, astratto-geometrici e informali che riconducono all’esistenza dell’uomo, all’esperienza delle cose, con un forte e spaziante scavo nella realtà a differenti livelli, restituendo senso e spessore a motivi interiori, ma anche a temi sociali.

E quella pittura murale, che l’artista chiama “Self-portrait”, accoglie, da una parte, motivi legati all’azione dell’uomo che ha spezzato i legami con la natura, mentre li tesse ancora con il cemento, con l’artificialità delle cose e, dall’altra, verifica in una serrata struttura geometrica il dispiegarsi di possibili percorsi individuali e collettivi. Una estrema concentrazione di essenzialità di una rete compositiva analitica, minuziosa in cui l’artista pare radicare le sue esplorazioni di conoscenza  interiore. Una rete, di rigore architettonico, che ritorna, anche con altri soggetti, in una ventina di quadri, ad acrilico, che ABVA ha realizzato per questa occasione espositiva. E tre di questi quadri connotano un altro murales in galleria, il cui fondo il sassolese ha voluto realizzare con altri tre artisti, quasi a ricordare il passato lavoro a più mani, di condivisione creativa, proprio della street art.

Nella grande opera il giovane sviluppa, con un fare anche artigianale, un linguaggio che integra il passato e il presente: nella “tecnica”, con l’utilizzo delle bombolette spray, come mezzo peculiare del writing tradizionale, ma anche della pittura ad acrilico stesa con un normale pennello sulla tela e sulla parete; e nel “racconto”, con scritte decifrabili e temi di singolare forma di reinvenzione che riconducono ad una estrema ed esplodente concentrazione di pensieri e di immaginazione che una figura umana s’impone in uno stato inquieto di raccoglimento e riflessione; al tempo e al valore dell’esperienza del vissuto; al significato della cultura, nella confluenza dei divesri saperi, su cui si possono costruire i propri sogni.

Michele Fuoco

L'articolo Mostra “Self-Portrait” – ABVA (7 Ottobre/30 novembre 2017) sembra essere il primo su Galleria Annovi.

Come ben sapete la galleria Annovi è sempre alla ricerca di artisti nuovi e talentuosi; abbiamo perciò scelto di accompagnare Federica Rossi in questa mostra fuori dalla nostra sede.
Molto conosciuta all’estero, sarà una dei nostri artisti anche in Via Radici in piano 127 a Sassuolo.

“The living cell”: la nuova produzione pittorica di Federica Rossi in mostra, dal 5 agosto al 24 settembre 2017, nella Manica Lunga del Museo della Città “Luigi Tonini” di Rimini.
Curata da Francesca Baboni e Stefano Taddei, la personale sarà inaugurata sabato 5 agosto alle ore 18.00. L’esposizione è promossa dal Comune di Rimini con il patrocinio della Biennale del Disegno, in collaborazione con la Galleria Annovi di Sassuolo (MO).

Per maggiori informazioni: info@galleriannovi.com

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Galleria Annovi è lieta di comunicare l’allestimento della mostra di Mimmo Iacopino, artista milanese. L’inaugurazione si terrà il 29 di aprile (evento Facebook) e le opere rimarranno nel nostro spazio, in via Radici in Piano 127 a Sassuolo (MO), fino al 18 giugno 2017.

La tavolozza di Iacopino è fatta di strisce di velluto, di raso, metri da sarto, di carta, da banco, ritagli di spartiti musicali e di testi letterari; decontestualizzati dal loro abituale campo di esistenza, divengono elementi artistici che vanno a comporre trame e orditi geometrici, seguendo regole matematiche di ordinata follia.

Inaugurazione 29 aprile

You should be dancing

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You should be dancing – Fecondazione numerata

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Il titolo dell’esposizione fa riferimento ad un omonimo dittico di grandi dimensioni che vuole omaggiare l’esperienza autobiografica dell’artista, riportandoci in particolare alle luci e ai colori delle pedane luminose delle discoteche degli anni ’70, rimaste impresse nella memoria come ricordo simbolico di un vissuto giovanile.
Nel percorso della mostra, che rappresenta un’evoluzione del lavoro e la ricerca di una maturità complessiva, si trovano lavori recenti risalenti al 2016 e una serie di inediti realizzati appositamente per la personale, tra cui un’imponente installazione corale, primo esperimento installativo dell’artista, la cui opera si trova dal 2002 all’interno della prestigiosa collezione Panza di Biumo.

Come scrive la curatrice nel testo in catalogo: “Mimmo Iacopino è uno dei pochi artisti italiani che con l’astrazione ha comunicato un nuovo modo di fare pittura senza l’utilizzo del pennello, attraverso una decontestualizzazione dei materiali, arrivando ad una maturità concettuale ben riscontrabile nei nuovi lavori di questa mostra, che rappresenta una sorta di summa del suo percorso artistico”.

Dettagli di alcune delle opere esposte:

Dettaglio

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 Catalogo mostra

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